« Tout leur va tant que ça ressemble à du John Williams » : pourquoi Nobuo Uematsu alerte sur l’uniformisation hollywoodienne des musiques de jeux vidéo
Père des thèmes les plus emblématiques de l’histoire du jeu de rôle japonais, de l’ouverture cristalline de Final Fantasy aux chœurs apocalyptiques de One-Winged Angel, Nobuo Uematsu ne mâche plus ses mots lorsqu’il observe l’évolution sonore de l’industrie. Lors d’un entretien approfondi accordé à l’artiste média et universitaire japonais Yoichi Ochiai sur la plateforme NewsPicks, dans le prolongement de ses prises de parole pour la revue musicale nippone Real Sound et sur sa chaîne officielle Nobuo Uematsu ConTiki Show, le compositeur de 67 ans a dressé un constat lucide : à force de vouloir singer les superproductions américaines du grand écran, les bandes originales des blockbusters modernes finissent toutes par se ressembler.
Le syndrome John Williams et le poids des producteurs
Pour expliquer cet appauvrissement créatif, le maître japonais pointe directement la hiérarchie actuelle au sein des grands studios de développement. Selon lui, les réalisateurs et les producteurs détiennent désormais un pouvoir décisionnel excessif sur la direction musicale, réduisant les compositeurs au rôle de simples exécutants techniques incapables d’imposer leur vision artistique.
« Je n’irai pas jusqu’à parler de stagnation, mais j’estime que les réalisateurs et les producteurs concentrent beaucoup trop de pouvoir entre leurs mains, y compris lorsqu’il s’agit de la musique. Aujourd’hui encore, les compositeurs de jeux vidéo ne sont pas en position d’exprimer librement leur opinion, quel que soit leur bagage musical ou leur maîtrise technique. Il n’existe presque aucun producteur de jeu qui possède une culture approfondie du divertissement mondial et d’une grande variété de genres musicaux par conséquent, tout leur convient tant que vous faites en sorte que cela sonne comme une bande originale de film de John Williams. »
En réclamant systématiquement des fresques orchestrales calquées sur le cinéma hollywoodien ou des nappes de synthétiseurs numériques lissées au séquenceur, les décideurs brident toute prise de risque. Comme le résume Nobuo Uematsu sans détour : « Franchement, il y a beaucoup moins de choses bizarres aujourd’hui. » Or, c’est précisément cette étrangeté assumée, mêlant rock progressif des années 1970, orgue baroque, musique celtique et rythmes tribaux, qui donnait autrefois une signature sonore immédiatement reconnaissable à chaque grande licence.
Quand la contrainte matérielle obligeait à raconter une histoire par la mélodie
Durant les générations 8-bit et 16-bit sur Famicom et Super Famicom, puis lors de l’essor du CD-ROM sur la première PlayStation, les compositeurs ne pouvaient pas dissimuler une écriture paresseuse derrière un mur de cuivres et de percussions cinématographiques. Avec seulement trois canaux mélodiques et un canal de bruit blanc sur NES, ou les huit pistes échantillonnées de la puce Sony SPC700 sur Super Nintendo, chaque note devait porter une émotion narrative immédiate.
| Critère musical | Approche mélodique identitaire (Ères 8-bit à PS1 / Philosophie Uematsu) | Standardisation hollywoodienne (Blockbusters AAA contemporains) |
|---|---|---|
| Moteur créatif | Contraintes techniques strictes forçant une ligne mélodique mémorable dès les premières secondes | Abondance orchestrale et nappes d’ambiance conçues pour accompagner l’action en arrière-plan |
| Liberté du compositeur | Forte autonomie artistique, hybridation des genres (rock progressif, opéra, jazz, synthé) | Validation stricte par les producteurs et réalisateurs autour d’un cahier des charges cinématographique |
| Fonction narrative | La musique raconte l’histoire et incarne à elle seule un personnage ou un lieu (Terra’s Theme, Aerith’s Theme) | Illustration sonore atmosphérique souvent interchangeable d’une production à gros budget à l’autre |
| Prise de risque (« bizarrerie ») | Expérimentations audacieuses et signatures d’auteur marquées | Alignement sur le modèle symphonique hollywoodien façon John Williams pour rassurer les éditeurs |
Cette quête d’une identité sonore franche trouve d’ailleurs un écho direct chez les créateurs qui refusent le moule symphonique convenu : on l’a vu récemment lorsque le disque Pigstep de Lena Raine a poussé Mojang à réclamer de véritables bangers sur Minecraft, prouvant qu’un morceau radicalement singulier marque bien plus durablement les joueurs qu’une partition générique.
L’appel de Nobuo Uematsu à la nouvelle génération : « Qu’est-ce que moi seul peux faire ? »
Honoré d’un prix spécial lors des CEDEC Awards pour l’ensemble de sa contribution à l’art interactif et auteur de la bande originale complète de Fantasian Neo Dimension aux côtés de Hironobu Sakaguchi chez Mistwalker, Nobuo Uematsu refuse que la musique de jeu vidéo devienne un sous-genre docile du septième art. Face à la montée des outils génératifs et des banques de sons standardisées, il exhorte les jeunes compositeurs à ne pas imiter ce qui fonctionne déjà autour d’eux.
Sa recommandation tient en une question fondamentale que chaque artiste devrait se poser devant sa partition : « Qu’est-ce que moi seul peux faire ? » Selon lui, un diplômé d’école d’art ou de musique ne doit jamais abdiquer sa sensibilité au profit de l’intelligence artificielle ou des modèles préfabriqués, mais au contraire creuser au plus profond de ses propres goûts et de ses obsessions personnelles. Alors que Square Enix prépare l’avenir de sa trilogie phare et que Final Fantasy VII Revelation revoit en profondeur l’exploration et les invocations héritées de Rebirth, la pérennité des thèmes composés il y a près de trente ans par Uematsu rappelle où se situe le véritable cœur battant d’un RPG.
Mon regard
Difficile de donner tort à Nobuo Uematsu tant son diagnostic frappe là où ça fait mal. Combien de superproductions sorties ces cinq dernières années affichent des budgets colossaux, un orchestre philharmonique complet enregistré à grands frais, mais pas un seul thème que je suis capable de fredonner une fois la console éteinte ? En voulant à tout prix prouver sa maturité face au cinéma, l’industrie AAA a fini par confondre prestige orchestral et identité musicale. Ce qui rendait l’arrivée à Narshe dans Final Fantasy VI ou la traversée du secteur 5 dans Final Fantasy VII inoubliable, ce n’était pas le nombre de violons, mais l’audace d’un compositeur qui osait injecter du Emerson, Lake & Palmer ou de la mélancolie pure dans une puce sonore minuscule. Aujourd’hui, la relève de cette folie mélodique survit surtout chez les studios indépendants et les équipes à taille humaine qui laissent leurs compositeurs signer de vraies œuvres d’auteur plutôt que du papier peint symphonique.
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Américaine installée dans la périphérie de New York, Chaya « Chayane » a passé 5 ans à Montréal pour ses études d'ingénierie logicielle avant de revenir dans sa région natale. Développeuse Full-Stack et chercheuse en architectures de Deep Learning et d'IA, elle explore les réseaux neuronaux et l'optimisation algorithmique tout en concevant les outils de Retrocharting et Gamescharting aux côtés de Grimtag. Gamer depuis plus de 20 ans, collectionneuse passionnée de l'univers Nintendo et de la saga The Legend of Zelda, elle a arpenté Azeroth sur World of Warcraft avant de mettre son expertise technique au service de l'analyse vidéoludique.
